Intervista TAMAS MORICZ

Silvia Poletti: Tamas, la sua carriera si è svolta per lo più nel campo della danza contemporanea. Ho visto però che ha una formazione classica. Può descriverci i principali passaggi del suo percorso professionale?
Tamas Moricz: In effetti ho studiato nove anni e mi sono diplomato all’Accademia Nazionale di danza in Ungheria in danza classica metodo Vaganova. In seguito però la mia carriera è stata tuttanell’ambito della danza contemporanea. Ho lavorato soprattutto con Jan Fabre ad Anversa e da lì sono passato a lavorare con il Frankfurt Ballet, sotto la direzione di William Forsythe, che rappresenta anche la mia esperienza più formativa nella danza. Il periodo al Frankfurt Ballet è stato davvero eccezionale anche per la storia della danza e sono stato molto fortunato a far parte di quel gruppo.

SP: Ha danzato solo con il Frankfurt Ballet o ha seguito Forsythe quando ha lasciato la compagnia e ha formato la sua Forsythe Company?
TM: Ho fatto parte del Frankfurt Ballet per quasi un decennio e ho anche fatto alcuni progetti con la Forsythe Co.

SP: Deve essere stata un’esperienza molto stimolante per un ballerino “classico andare a lavorare con Forsythe.
TM: Sì, lo era. Quell’esperienza ha davvero cambiato completamente le mie idee sulla danza e sul fare arte. Ha rivoluzionato le mie opinioni su cosa può essere la danza… cosa può rappresentare e anche come può essere creata una performance di danza. La cosa più impressionante è stato vedere come i processi di creazione cambiavano ad con ogni nuova produzione. Non c’era mai una formula fissa per creare un balletto. Ogni nuova creazione aveva un processo compositivo completamente nuovo. Di fatto in questo modo Forsythe e noi stessi abbiamo ridefinito il futuro della coreografia e delle sue modalità di composizione, scrittura e ideazione. E l’influenza di questa novità radicale di lavoro si sente ancora oggi ovunque. Questo è stato il motivo principale per cui Frankfurt Ballet era così avanti rispetto a tutti gli altri nel mondo della danza. Abbiamo avuto la possibilità di sperimentare e ricreare davvero come la danza può essere vista e vissuta. Venivano a fare incontri e workshop con noi artisti, scienziati e maestri delle più diverse discipline: neuroscienziati, maestri di arti marziali, persino architetti, stilisti e alcune menti creative molto fertili. Ad esempio, in momenti diversi abbiamo approfondito la fisioterapia o gli esercizi PNF e abbiamo utilizzato le loro influenze per creare materiale per la danza e definire le qualità del movimento. Ho capito molto da queste esperienze su come il corpo apprende e percepisce il movimento. Questo è diventato il fondamento di quello che faccio ora come insegnante. Poiché abbiamo usato molta improvvisazione nelle nostre creazioni, abbiamo anche creato le Forsythe Improvisational Technologies. Questo cambiamento ha anche aperto le porte a una nuova ondata di coreografi, ma anche performers e docenti. Personalmente ho portato questa mia esperienza artistica e creativa in una grande varietà di istituzioni di danza. Ho insegnato in Istituti e Accademie in, Corea, Olanda, Ungheria, Francia, ecc. Ho anche insegnato danza contemporanea al Prix de Lausanne o ho contribuito a organizzare una competizione di danza contemporanea a Brisbane, in Australia. Da Francoforte ho portato molta di questa importantissima influenza nel mondo: quasi come un autonominato ambasciatore di questa nuova modialità per aiutare ad aprire le menti su come creare e sperimentare la danza.

SP: Vista la sua grande esperienza anche come docente, posso chiederle quali sono secondo lei le tendenze e i cambiamenti più interessanti nell’attuale panorama della danza?
TM: Penso che uno dei più grandi cambiamenti di oggi stia proprio nelle modalità con le quali la danza viene ‘fruita’. È molto diverso da una decina o ventina di anni fa, perché oggi guardiamo molto ballare sugli schermi dei nostri telefoni: c’è un flusso infinito di clip di danza su Facebook su TikTok o Instagram. Ma quello che vediamo è spesso una danza di pochi secondi; magari con movimenti minimali e dettagliati e costruzioni impressionanti, ma è un’esperienza molto diversa dal vedere la danza in una performance dal vivo. A volte temo che l’occhio possa essere saturato da questi brevi video e perdere l’esperienza davvero appagante di guardare un artista dal vivo.
Penso che questo sia un grande cambiamento oggi. Inoltre, oggi c’è una grande differenza su quanto devono essere versatili e duttili i ballerini professionisti per funzionare bene in una compagnia di repertorio. Se un giovane ballerino entra in una compagnia di repertorio, deve essere in grado di alternare stili di danza molto diversi da un pezzo all’altro, da una prova all’altra. Affrontare un lavoro neoclassico e poi un pezzo di Ohad Naharin o un lavoro di Cunningham richiede molta capacità di adattamento. Ciascun autore infatti richiede mentalità completamente diverse e spesso anche una fisicità completamente diversa. Essere versatili e disponibili anche intellettualmente è fondamentale nel mondo della danza di oggi. Versatilità significa imparare molto velocemente, essere molto preciso
con le tue osservazioni e saper ascoltare attentamente. Quindi la versatilità è molto interessante per me… Quello che sto cercando di insegnare è soprattutto la capacità di imparare velocemente e adattarsi ai diversi stili e modi di lavoro rapidamente.

SP. In una mia intervista Ted Brandsen (direttore del Dutch National Ballet) ha sottolineato quanto nei processi produttivi di oggi sia spesso impossibile per un ballerino professionista avere un lungo periodo per entrare nel mondo di un coreografo. E da parte loro anche i coreografi devono imparare a trasmettere e a consegnare le loro opere molto velocemente. Come ex co- direttore del Royal Ballet of Flanders, immagino che conosca molto bene per esperienza quanto sia importante utilizzare i tempi brevi. Questo è molto importante. Ho sentito coreografi contemporanei che chiedono 50-60 giorni per una produzione.
TM : Un sacco di tempo… Al Royal Ballet of Flanders potevamo offrire solo 125 ore di prove a un coreografo per creare un nuovo lavoro. Per un pezzo di 20-40 minuti, tutto doveva rientrare in quel periodo di tempo. Era tutto ciò che potevamo dare. In una compagnia di repertorio ci sono sempre anche altri pezzi in prova, quindi non puoi perdere tempo. I ballerini devono imparare stile, passi e sequenze, tempi e tutto il resto. Per fare un esempio. durante i miei due anni di direzione al Royal Ballet abbiamo avuto la più straordinaria varietà di coreografi. Abbiamo presentato opere di Pina Bausch, ( Café Muller ) Martha Graham, Merce Cunningham, William Forsythe, Bejart ( Bolero) Spartacus di Yuri Grigorovich, La bella addormentata di Marcia Haydée, opere di Kilian, Hans Van Manen, Ohad Naharin, Crystal Pite, Hofesh Shechter, Akhram Khan, Cherkaoui, Edouard Lock, il Faun di Nijinski, Jonah
Bokaer (coreografo delle opere di Robert Wilson.) e molti altri… quindi si può immaginare la versatilità che questo richiedeva.

SP: Si propone quindi di mettere i giovani danzatori italiani a ciò che richiede la professione a livello internazionale…
TM: Sì forse, sarà un ottimo modo per entrare nel mondo della danza attuale per coloro che lo fanno con passione genuina Per me la danza è soprattutto un’esperienza di vita. Quindi il mio obiettivo è preparare ballerini che possano entrare nel mondo e affrontare le sue sfide meglio equipaggiati.

SP: Ha già un’idea su chi ti piacerebbe invitare o coinvolgere come insegnanti esterni del progetto Pulse?
TM : Sì.. Mi piacerebbe dire alcuni nomi, ma finché non avremo le cose su carta e concordate, non li voglio annunciare. Mi piacerebbe comunque coinvolgere artisti già affermati che possono dare un grande contributo.

SP: Che tipo di danzatori sta cercando? Qual è uno studente ideale per Pulse?
TM: Cerco danzatori sinceramente interessati, onesti nel fare il lavoro necessario e avere una mentalità intelligente al riguardo. Mi piacerebbe trovare ballerini che possano impegnarsi profondamente nel processo di apprendimento. Sfortunatamente non c’è mai abbastanza tempo per questo, quindi l’impegno e la mentalità sono molto importanti. Le loro teste devono essere nel posto giusto. Voglio offrire le mie conoscenze a coloro che possono sfruttarle al meglio. Vorrei creare una nuova mentalità qui. Una sorta di scuola di danza alla “Montessori”. Un luogo che aiuta ogni studente a scoprire il proprio potenziale migliore e lo rafforza e permette alla sua autenticità di risplendere attraverso la danza. I giovani possono non sapere ancora come sviluppare le proprie qualità e comprenderne il valore. Vorrei aiutarli ad acquisire fiducia nel diventare sé stessi e quindi a potersi presentare al mondo. Trasformarli in interpreti aggraziati e belli che vorremo vedere sul palco.

SP: Spesso dico ai giovani danzatori che il pubblico vede sempre se il loro cuore, mente e corpo sono ben collegati…si percepisce immediatamente
TM: Sono d’accordo. L’autenticità si riconosce. Se sul palco sei ‘presente’ sei anche ‘bello’ e questa è una vera gioia da vedere.

SP: Non ha quindi preclusioni fisiche per i danzatori di Pulse…
TM: Non sarà certamente il mio obiettivo principale. Più di ogni altra cosa mi piacerebbe avere un gruppo eterogeneo, sia per provenienza ‘etnica’ che nei corpi. Cerco le qualità e la connessione corpo-mente di cui abbiamo parlato. La grazia nella danza non viene dalla forma del corpo, ma da una connessione e dalla capacità di usare il corpo per esprimere qualcosa di tangibile al pubblico. Al Frankfurt Ballet abbiamo avuto corpi molto diversi e mi ha sempre ispirato a vedere la differenza su come si muovevano quei corpi. Vedo molta bellezza in questo. Abbiamo avuto donne di tutte le taglie e tutte erano eccezionali nel loro modo di ballare. La mia ex collega Emily Molnar (attuale direttore artistico di NDT) è una persona che mi viene in mente quando ci penso: alta, florida, ma con un’incredibile presenza scenica.

SP: il progetto Pulse parte a settembre. Lei come sarà presente?
TM: verrò a Firenze ogni mese, da settembre in poi lavorerò con i ballerini, oltre a supervisionare il processo che fanno con gli insegnanti in visita. Mi piacerebbe passare più tempo possibile con gli studenti in studio.

SP: Un’altra domanda, vedo che tra le materie del corso ci sarà anche anche la Storia della Danza del Novecento. Perché pensi che sia importante?
TM: Perché credo sia fondamentale per aiutarli a vedere l’evoluzione della nostra forma d’Arte e ad apprezzarla profondamente. Sfortunatamente, la maggior parte dei giovani studenti di oggi non conosce molto la storia della danza. Anche se vedono molta danza (online). Vedono molti più video di danza su YouTube o TikTok e Instagram, ma non conoscono molto i grandi come Martha Graham o Cunningham o persino Forsythe. Non conoscono o capiscono davvero l’importanza di questi coreografi.

SP: Nell’introduzione a Pulse vedo che vuole aiutare i ragazzi anche a gestire le modalità di presentazione alle audizioni e cose varie
TM: Sì, certo, ci occuperemo anche di questo: come prepararsi e presentarsi per un’audizione, come scrivere un Cv e creare un video per un’audizione. Come realizzare un video che li mostri al meglio e anche per interagire con altri aspetti del business.

SP: Quindi, per riprendere il nostro discorso, sta cercando ballerini con una “Mente che Danza”.
TM: In effetti, questo è un buon modo di dirlo: cerco un ballerino attento, di mentalità aperta e impegnato. Sono fiducioso che questa sarà un’esperienza molto gratificante per loro. Sono sicuro che formeranno un buon gruppo insieme e che si divertiranno molto con questi processi. Avranno una grande opportunità di far parte del nostro programma: laboratori coreografici, spettacoli e lungo il percorso impareranno cosa significa essere un ballerino in una compagnia di danza professionale oggi.